Wenn dieser Film ein wenig selbst auferlegten Minimalismus hinzufügen würde, könnte er als Charakterstudie viel erfolgreicher sein.
Wie „Between the World and Me“ von Kamilah Forbes, „Malcolm & Marie“ von Sam Levinson und Doug Liman (Doug Liman) sowie „Locked Down“ von Natalie Morales ist „Language Class“ von Natalie Morales offensichtlich ein Produkt von uns Es handelt sich um eine Ära des Lockdowns, und ihre Prämisse eignet sich aufgrund ihrer technischen Einschränkungen besonders gut.Mark Duplas (Marc Duplas) (schrieb das Drehbuch zusammen mit Morales) spielt Adam, einen neuen Fernschüler von Cariño (Morales), einem Spanischlehrer in Costa Rica.Sein wohlhabender Ehemann Will (Desean Terry) hat sich als Geburtstagsgeschenk für den Kurs angemeldet.Er baute schnell eine Verbindung zu Cariño auf, die nach einer unerwarteten Tragödie noch stärker wurde.
Die Handlung des Films wird fast vollständig durch eine Reihe von Webcam-Chats abgewickelt, bei denen in der Regel zwischen den Laptop-Bildschirmen in der Szene hin und her gewechselt wird, was beweist, dass die faszinierende Art des Schauspiels die anfängliche Peinlichkeit größtenteils übertrifft.Obwohl die Trennung der Schauspieler die Anzahl der chemischen Reaktionen, die sie auslösen können, einschränkt, verleiht sie ihnen gelegentlich ein Gefühl von Originalität, das ihnen in traditionellen Filmen möglicherweise fehlt.Wenn die Charaktere direkt in die Kamera blicken, fokussieren sie sich deutlicher auf die fragilen Momente.Konzentrieren Sie sich auf.
Auch der Sprachunterricht nutzt seine begrenzten Perspektiven, um seine zentralen Konflikte auf interessante Weise zu erweitern.Nachdem Adam erkannte, dass seine Villa in scharfem Kontrast zu Cariños bescheidenerer Umgebung stand, gab er nach und nach zu, dass er sich wegen seiner Privilegien im Vergleich zu ihren schuldig fühlte, und ihre Videoanrufe lieferten nur begrenzte Informationen.Es ist eine effektive Möglichkeit, effektiv zu erklären, wie viel Sie tun können.Verstehen Sie das Leben des anderen.
Genau wie Alex Lehmanns „Paddleton“ (Dupras spielte ebenfalls mit) bewies „Language Lesson“ sein starkes Interesse an platonischen Liebesromanen.Es handelt sich um eine der am wenigsten bekannten Beziehungsvereinbarungen in der Filmindustrie.Beide Filme strahlen eine zurückhaltende Wärme aus, allerdings sind die Charaktere hier nicht so eigenwillig, was bedeutet, dass sie zwar die grundlegende Ähnlichkeitsschwelle überwinden, die Geschichte aber nur so weit bringen können.Obwohl es gelegentlich Hinweise darauf gibt, dass Cariño möglicherweise vor der Kamera auftritt, und Adam außerhalb des Kurses nicht an allen Details ihres Lebens teilnehmen darf, verhindert der Sucher des Films, dass diese Idee sinnvoll untersucht werden kann.Ohne persönliche Momente oder Interaktionen in der realen Welt können Dialoge übermäßig anschaulich werden, da sie gezwungen sind, den Großteil der schweren Erzählung alleine zu bewältigen.
Während des vorherigen Nur-Sprachanrufs schaltete sie versehentlich die Kamera ein und zeigte Adam kurzzeitig mit verletztem Gesicht und dunklen Augen.Ein verlegener Carinho zog sich plötzlich zurück und gründete mit ihm einen professionelleren Lehrer.Beziehungen und aktueller Wunsch, ihr Privatleben aufrechtzuerhalten.Am Ende waren die beiden gezwungen, sich mit den Differenzen des anderen auseinanderzusetzen, und einige Argumente waren zu deutlich über die Unsicherheiten und Stereotypen, die ihre blühende Freundschaft bedrohten.In den Anfängen wurde die Spannung zwischen Klasse, Rasse und Geschlecht, die hinter diesem interkulturellen Austausch steckt, auf subtile Weise heruntergespielt. Wenn die Geschichte das Thema also intuitiver behandelt, ist das eine Schande.Die letzte Enthüllung der Handlung könnte auch zu viel sein.Zu viel.Wenn dieser Film ein wenig selbst auferlegten Minimalismus hinzufügen würde, könnte er als Charakterstudie viel erfolgreicher sein.
Schauspieler: Natalie Morales (Natalie Morales), Mark Duplass (Mark Duplass), Disney Terry (Desean Terry) Regie: Natalie Morales (Natalie Morales) Drehbuch: Mark Diplas (Naslie Morales), Natalie Morales (Natalie Morales) Veröffentlichungszeit: 91 Minuten Bewertung: NR Jahr: 2021
Die Charaktere in diesem Film sind voller paradoxer Ängste, die nur in Träumen auftreten können.
Dominik Grafs „Fabian: Going the Dogs“ (Fabian: Going the Dogs) beginnt mit einem langsamen Trolley, der die Treppe hinunter in den wunderschönen Berliner U-Bahnhof schießt.Obwohl jeder, der mit dem Originalstoff des Films vertraut ist, etwa Erich Kästners 1931 erschienenem Roman „Die Fabianer: Die Geschichte eines Moralisten“, hofft, dass diese Geschichte an zwei Orten in Deutschland spielt.Zwischen dem Zweiten Weltkrieg, aber jetzt ist es für uns offensichtlich, weil die Leute auf dem Bildschirm unter anderem Polos und Jeans tragen.Wenn die Kamera jedoch den Bahnhof passiert und zum gegenüberliegenden Treppenhaus geht, wird der Pendler die Kleidung der erwarteten Zeit anziehen.Die Kamera steigt die Treppe hinauf und versetzt uns schließlich in die Dämmerungszone der Weimarer Republik – oder zumindest, wenn Graf diese bewusst unvollständig simuliert.
Andere Schilder deuten darauf hin, dass wir uns alle im Moment befinden, von den schwarzen Betonstraßen bis hin zu den besonders offensichtlichen Stolpersteinen, mit in die Gehwege eingelassenen Stolpersteinen aus Messing zum Gedenken an die Opfer des Holocaust.Tesla von Michael Almereyda erinnerte daran, dass diese teleskopartige Herangehensweise an historische Romane unsere Position in Bezug auf die beobachteten Ereignisse hervorhob.Graffs Methode kann jedoch übermäßig stimulierenden Verfremdungsmitteln widerstehen, etwa wenn der Erzähler die Google-Einträge, die ihm zur Verfügung stehen, herunterspielt.Darüber hinaus passt die verrückte, strenge, spielerische Ästhetik der Filmemacher zu seinem Thema, nämlich der chaotischen Gesellschaft der kurzlebigen Weimarer Republik.Der Aufruhr und die weit verbreitete Angst der Weimarer Republik haben zumindest einige der bedeutendsten Kunst- und Lebensszenen in Berlin hervorgebracht.Verrückte Experimente, bevor diese durch das Abgleiten in den Faschismus des deutschen Staates erstickt wurden.
Nachdem sich die langsame, methodische Verfolgungslinse geöffnet hat, schießt Fabian eine Reihe von Bildern ab, die schnell zwischen körnigem Film mit geringer Spezifikation und verwaschenem Digitalvideo wechseln.Wir lernten Jakob Fabian (Tom Schilling) kennen, einen schockierten Veteranen mit einem Abschluss in Literaturwissenschaft, und in einer lauten Nacht war er bereit, den Job als Werbetexter zu übernehmen.Fabian geht mit einer älteren Frau (Meret Becker) nach Hause und stellt fest, dass er einen Vertrag mit ihrem Mann unterschreiben muss, um mit ihr zu schlafen, und möglicherweise sogar Anspruch auf eine Entschädigung hat.Müde von der zynischen Mischung aus Geschäftsaufgabe und behördlichen Abläufen, die die Grundlage für seine Verlegung des Berliner Nachtlebens bildete, flüchtete er zurück in die Nacht.
Überall auf der Welt kommt Fabian mit dem Zeitgeist nicht zurecht und der verzweifelte Verzicht auf menschliche Beziehungen bestimmt den Lebensweg aller Menschen, denen er begegnet.Ein inkompetenter Kollege hat ihm seine Idee von Werbekampagnen geklaut und dadurch seinen Job verloren.Bald darauf lernte sie die Schauspielerin Cornelia (Saskia Rosendahl), die sie kennengelernt hatte, kennen und verliebte sich in sie. Letztere wohnte zufällig in seinem Gebäude.Fabian war gezwungen, sie als Geliebte des Filmemachers zu akzeptieren, um im Film Fuß zu fassen.
Im Großen und Ganzen ist diese Geschichte über die Unfähigkeit junger Menschen, emotional mit dem Sexualverhalten ihres Liebhabers umzugehen, eine unbekannte Geschichte.Aber Graf schaffte es, diese Illusion lebendig zu machen, indem er uns mit einer künstlichen, autoritativen Voice-Over-Erzählung (abwechselnd zwischen männlichen und weiblichen Stimmen) auf Distanz zu Fabian hielt.Obwohl, oder vielleicht weil wir von dem Paar evakuiert wurden, war ihr Balz das Einzige auf der Welt, das einen Hund großziehen konnte.Geprägt von der Art dummer und interessanter junger Leute, öffneten sie sich sofort einander, verschworen sich, um dem Wirt und den Hippies an einem See außerhalb Berlins auszuweichen, und führten spontan spätnächtliche Volkstänze unter den Fans auf – Aufrichtigkeit von Fabian und Cornelia Romance durchbricht die tragische Ironie der synchronisierten Erzählung.
Der Adlige Albrecht Schuch, ein Kollege des Fabian-Projekts, stellt eine Ausnahme vom finsteren Spott der Gesamtgesellschaft dar.Labude ist sehr gespannt auf die Habilitationsschrift.Er ist außerdem ein aktiver Sozialdemokrat und Verfechter von Rationalitäts- und Gerechtigkeitsprinzipien.Mit seinen Idealen scheint dieser Mensch, ebenso wie die Pendler, die zu Beginn des Films auf dem Bahnsteig warten, vorerst zu schweigen.Seine Gedanken sind der Entwicklung der Zeit nicht angepasst.Vielleicht scheint Fabian deshalb entmutigter zu sein.Sie haben immer das letzte Wort in ihrem Gespräch.Irgendwann, als Fabian nur zur Beobachtung und nicht zu seiner eigenen Verteidigung da war, fragte Labude: „Wie hilft das?“Fabians Defätist antwortete: „Wem wird geholfen?“Ebenenschatten.
Am Ende wurden sowohl Labudes sozialistisch-frivole politische Agitation als auch Fabians fernschriftliche Haltung von historischen Trends verschluckt.Obwohl Kästners Buch weniger als zwei Jahre vor der Machtübernahme der Nazis veröffentlicht wurde, vermittelte es eine Vorahnung, dass die Weimarer Republik bald enden würde, verstand aber nicht, was passieren würde, aber wir und der Film haben diese schrecklichen Details geerbt, wie Teil der Nazis.Weltgeschichte.Dieses düstere satirische Buch von Kästner lässt den Blick auf die Gesellschaft schweifen, in der der Autor lebt.Der Film nutzt die Brisanz seiner Bilder, seine chaotische Zeit und seinen Raum und die Traumlogik grotesker Comics, die an den Albtraum der Vergangenheit erinnern.Sein Charakter ist erfüllt von einer Art widersprüchlicher Angst, die nur in Träumen auftreten kann – die Angst vor der großen Katastrophe ist unvermeidlich, weil sie bereits eingetreten ist.
Darsteller: Tom Schilling, Saskia Rosendahl, Albrecht Schuch, Meret Becker, Michael Wittenborn (Michael Wittenborn), Petra Kalkutschke (Petra Kalkutschke), Almarscha Stadelmann (Almarscha Stadelmann), Anne Bennent (Anna Bennent), Eva Medusa Gun (Eva Medusa Gühne) Regie: Dominique Graff Drehbuch: Dominique Graff, Konstantin Ribb Veröffentlichungszeit: 178 Minuten: NR Jahr: 2021
Im Gegensatz zu „Malcom & Marie“ erwies sich Daniel Brühls abendfüllendes Regiedebüt als echte Selbstverwirklichung.
Nebenan geht es um Daniel Brühls Rolle als Schauspieler auf dem globalen Filmmarkt und den damit verbundenen Luxus, gepaart mit einer unterdrückten Vergeltungserzählung, die oberflächlich betrachtet wie Sam Levinsons „Malcolm & Marie“ aussieht.Doch als man den Film manipulierte, um die Agenturrechte des Drehbuchautors und des Regisseurs auf der Leinwand zu überprüfen, erwies sich Brühls abendfüllendes Regiedebüt als eine echte selbstbesetzte Satire.Brühl wird sich nicht der falschen Demut vieler Hollywood-Satires hingeben;Tatsächlich ist „Nebenan“ die grausame Satire auf diese Form der Komplizenschaft, in der sich Filmstars und sogar normale Menschen in der Politik engagieren. Als ich mein Bromid korrigierte, lebte ich ein Leben, das mir gefiel, und verschloss die Augen vor der Umgebung , insbesondere die vielen Quasi-Juden, die es sich leisten konnten, zu zahlen.Das Überleben der Bediensteten der Mittel- und Oberschicht ist kompliziert zu realisieren.
Brühl spielt den Filmstar Daniel (Daniel), er ist ihm in allen Belangen ähnlich.Daniel genießt wie Brühl Privilegien in Köln und hat im Showgeschäft beachtliche Fortschritte gemacht.Zu Beginn von Next Door bereitete sich Daniel auf ein Vorsprechen in seiner Luxuswohnung in Berlin vor, um eine Rolle in einem streng geheimen Blockbuster zu spielen, der ihn an seine Rolle in Captain America: Civil War erinnerte.Kurz gesagt, wir sind versucht zu glauben, dass dieser Film ein fiktives spontanes Fragment von Brühls Leben sein wird, das wahrscheinlich vom großen Vorsprechen abhängt, bis die Hindernisse auftauchen.Auf dem Weg zum Flughafen hielt Daniel an der Bar an und wurde von einem gewöhnlichen Bruno (Peter Kus) übernachtet.Im krassen Gegensatz dazu führten diese Leute dramatische Studien durch: Daniel kleidete sich ordentlich, machte Morgengymnastik und pflegte kluge Essgewohnheiten, während Bruno älter, ungeschickt und offenbar ans Essen gewöhnt war.Ein reichhaltigeres Frühstück und Bier.Allerdings sind Brunos Augen nicht sanft, denn seit seinem ersten Auftritt im Film strahlt dieser Mann beißende Weisheit und Wut aus.
Wenn Menschen mit ihrem Willen kämpfen, zeigt das Drehbuch von Daniel Kehlmann auf subtile Weise unsere Loyalität.Daniel ist ein bescheidener Idiot, der im Film auch nur den geringsten Scherz hat.Einmal sagte er dem Barbesitzer, dass er froh sei, keinen starken Kaffee zu trinken, weil dieser bitter sei und einen Herzinfarkt verursachen könne.Diese Geste ist sein demütiger Gedanke, während die Menschen, die wirklich zu dieser Bar gehören, möglicherweise nicht über das Konzept der Demut nachdenken müssen.Es gibt auch einen hinterhältigen Witz, der zunächst lustig ist, dann aber zur Bedrohung wird.In diesem Fall betreten Menschen (vom Barbesitzer bis hin zu seinen Fans) die Umgebung der Bar ohne Daniels wirkliche Aufmerksamkeit, was prägnant zum Ausdruck kommt. Er war dem Proletariat gegenüber blind, bis dieses eine Einschätzung erzwang.
Bruno ist jedoch definitiv kein Held der Arbeiterklasse, der sich zum einfachen Konsum reichhaltiger Predigten anbietet.Der Mann war sehr unglücklich, verbittert und auf seine Art genauso qualifiziert wie Daniel, wie die Art und Weise beweist, wie er sich in Daniels Morgen einmischte, dem Schauspieler gegenüber beharrte, dass sein Film scheiße sei, und ihn persönlich beleidigte.Daniel sagte Bruno, dass seine Ansichten irrelevant seien, weil wir dachten, eine solche Aussage sei Teil der Verteidigung von Persönlichkeiten des öffentlichen Lebens.
Diese beiden Charaktere sind normalerweise nicht sympathisch, obwohl beide sehr attraktiv und verwandt miteinander sind, und zusammen üben sie unsere Eifersucht und unseren Groll gegenüber der sozialen Elite aus, was „Next Door“ zu einer ängstlichen Qualität macht, und zwar in dieser Hinsicht vielleicht sogar besonders .Und das Gespräch zwischen Daniel und Bruno war nur im passiven Sinne ruhig und aggressiv.In den frühen Tagen war es offensichtlich, dass Daniel diese Schwelle nicht verlassen würde und möglicherweise nicht einmal auf einer unbewussten Ebene bleiben wollte, weil Männer einander benutzen, um ihre kulturellen Dämonen auszutreiben.Sie fanden heraus, dass Ekel miteinander einhergeht.In diesem Sinne erinnert der Film an viele Hitchcock-Thriller, insbesondere an „Stranger on the Train“, in dem auch ein chaotischer Agent namens Bruno vorkommt.
Das Drehbuch neckt Brunos verschiedene Erklärungen für Daniel, deren klarster Grund Brunos Unmut über die Spannungen wenige Tage vor der Wiedervereinigung Deutschlands ist.Bruno behauptete zunächst, mit der Stasi zu sympathisieren, da angesichts der Finanzkrise in Ostdeutschland im Vergleich zu Westdeutschland die soziale Kluft zwischen Stasi und Daniel und Bruno parallel dazu klaffte.Diese Idee wurde jedoch nie gründlich untersucht und existiert tatsächlich als Fensterdekoration für die Tracker-Szene.Brühl möchte jedoch die Qualität des Alltags respektieren, insbesondere die Art und Weise, wie Männer in Enttäuschungen Luxus genießen, und wird für zu früh gehalten, und er hat sich nie vollständig der Auseinandersetzung mit Genremechanismen gewidmet.Stellen Sie sich einen Fremden in einem Zug vor, der seine Halterung nicht ekstatisch loslässt.
In der zweiten Hälfte von „Next Door“ häuften sich die losen und ungenutzten Enden weiter und erreichten schließlich ein bewusst unvollständiges Ende.Die Art von verabscheuungswürdiger Gnade, die diesen Menschen am Ende des Films zuteil wurde, vereinte sie in einer trostlosen Umgebung und ließ sie über riesige soziale Barrieren hinweg vereinen.Dies zeigt eher einen Wendepunkt als eine Schlussfolgerung, was uns ein besseres Gefühl gibt.Ein ungewöhnlicher Partnerfilm, der niemals wahr werden wird, ist fertig.Dieses unerklärliche Mysterium steht in der Tat im Einklang mit der Gestaltung des Films, der die Ungleichheit anerkennt, die oft unser Leben beeinflusst, meist ohne Kommentar oder Katharsis.Im Fall von „Next Door“ ist eine solche Schlussfolgerung eher theoretisch gültig und scheint eine Ausstiegsstrategie für Filmemacher zu sein, die noch nicht vollständig über das Ende nachgedacht haben.
Darsteller: Daniel Brühl, Peter Kurth, Aenne Schwarz, Nils Doergelo, Rike Eckermann), Vicky Krieps (Vicky Krieps) Regie: Daniel Brewer (Drehbuchautor): Daniel Kehlmann (Daniel Kehlmann) Veröffentlichungszeit: 94 Minuten Bewertung: NR Jahr: 2021
Dieser Film deutet auf die Verschmelzung von Eco Doctor- und Acid Western-Filmen hin, und dieser Unterschied zwischen verschiedenen Genres führt zu einer geheimnisvollen Atmosphäre der Spannung.
„A Shape of Things Come“ von Lisa Malloy und Monaco (JP Sniadecki) deutet auf die Verschmelzung von ökologischen Dokumentarfilmen und dem trostlosen Acid-Westen hin, und die Unterschiede zwischen diesen Genres sorgten für eine mysteriöse Spannung.Manchmal ist Sundog, der langbärtige Einsiedler im Mittelpunkt des Films, wie ein unterhaltsamer Hippie, der Bier trinkt, in einer örtlichen Bar tanzt, Romane liest und sich mit verschiedenen Tieren in einem temporären Ranch-Slash-Ökosystem vergnügt, in dem er lebt Sonora-Wüste nahe der mexikanischen Grenze.An anderen Orten schien er Zähne zu haben, richtete ein Hochleistungsgewehr auf den Überwachungsturm, patrouillierte verächtlich mit dem Grenzschutzwagen und bekam Wutanfälle.Möglicherweise befinden Sie sich in einer Spaltung, entweder schauen Sie sich den Film an, um die Selbstgenügsamkeit einer Person zu feiern, in dieser Zeit sind wir zutiefst von Grid abhängig, oder machen Sie sich Sorgen, dass er ein selbstgerechter, seltsamer Mensch ist, der seine Unzufriedenheit auf seine eigene Weise zum Ausdruck bringt Sinn des sozialen Exzeptionalismus.Für Sundog ist dies sein Weg oder seine Autobahn.
Die Form der kommenden Dinge ist weitgehend in Sundogs Alltag verankert.Dieser Film erinnert die Menschen daran, wie faszinierend die Umrisse verschiedener Prozesse sind, wenn Künstler das Selbstvertrauen haben, ihr Motiv zu beobachten, aber kein Interesse daran haben (in diesem Fall von Sundogs Jagd und Schlachtung von Tieren bis hin zu seinem Fang von Krötengift mitten in der Nacht). .Lassen Sie sie die vorgeschriebene Erzählung erfüllen.Diese Bereitschaft, traditionelle Erzählungen aufzugeben, fällt mit Sundogs Vermeidung der traditionellen Gesellschaft zusammen.Sundogs Leben scheint ausnahmslos frei von Lärm zu sein, von der Härte der Werbung bis zum polarisierten politischen Diskurs.Eine der aufregendsten Szenen im Film ist, dass er einfach in einer Badewanne im Freien badet, natürliche Geräusche hört und einen Moment der Besinnung und des Trostes genießt.Als er im Wasser versank, war es, als würde er in die Gebärmutter zurückkehren.
Eine gewisse Erwartung an Gewalt, gepaart mit der Mehrdeutigkeit des kreativen Umfelds des Films, verhinderte, dass „The Shape of Things“ zu einer sanften und schönen Feier wurde, in der er sein eigenes Leben auf seine eigene Art lebte.Die verwackelten Fotografien von Malloy und Sniadecki strahlen eine erstaunliche neurotische Textur aus, die an Vincent van Goghs Landschaftsgemälde erinnert.In den frühen Bildern wurde Sundog schräg aufgenommen, während er zwischen verschiedenen Pflanzen ging, was an verrückte Pinselstriche erinnerte und Sundogs unruhigen Kopfraum widerspiegelte.Der Film verwendet auch offensichtlichere Symbole, wie die Omenaufnahmen des Flugzeugs über ihm (Sundogs Bote der Korruption und Umweltverschmutzung in der Welt) und die Vorahnungsaufnahmen der Klapperschlange, die möglicherweise auch eine Temperaturinterpretation von Sundogs wachsender Frustration sind..Wird in Verbindung mit dem Überwachungsprogramm von Broder Patrol verwendet.Solche verrückten Momente, insbesondere in Szenen, in denen Sundog schwere Verbrechen begangen zu haben scheint, lassen uns fragen, ob wir tatsächlich eine Dokumentation sehen oder eher einem experimentellen Thriller ähneln.
In dem 77-minütigen „The Form of Things in the Future“ laden Malloy und Sniadecki das Publikum dazu ein, verschiedene tiefe und verstörende Bedeutungen aus dem Titel des Films herauszulesen.Es könnte auf die verrückte Entwicklung von Sundog oder auf den Wahnsinn der Welt aus Metall und Plastik hinweisen, die wir fast aus dem Erbe der Natur heraus aufgebaut haben, oder auf beides.In dieser eher beunruhigenden Situation könnte man das Gefühl haben, dass Sundog der modernen Maschinerie des Unternehmens erliegen würde, weil seine verständliche Wut seine Fähigkeit untergraben könnte, den ausgezeichneten kleinen Zufluchtsort zu genießen, den er in einem Land der Toleranz zu kämpfen hatte..
Regie: Lisa Malloy (Lisa Malloy), JP Sniadecki Veröffentlichung: Grasshopper Movie Veröffentlichungszeit: 77 Minuten Bewertung: Unbestimmt Jahr: 2020
Dieser Film wird als Ausdruck des uneingeschränkten Vertrauens in unsere gemeinsame Menschlichkeit landen und landen.
Don Hall und Carlos López Estradas „Raya und der letzte Drache“ (Raya und der letzte Drache) bringen Disney und andere aktuelle Disney-Unterhaltungsereignisse wie Moana anschaulich bereichert und verbessert.Sie haben einen reifen Geist, einige umfangreiche Handlungselemente und sind bestrebt, eine Vielzahl asiatischer Kulturen und Avatare auf der Leinwand zu zeigen: „The Last Chizong“.Auch wenn sich die Nickelodeon-Serie auf ostasiatische Traditionen stützt, integriert der Film natürlich sorgfältig Elemente aus südostasiatischen Ländern (einschließlich Vietnam, Kambodscha und Laos).
Allerdings erinnern Raya und „The Last Dragon“ angesichts der enormen Weltkonstruktion und ästhetischen Vielfalt am deutlichsten an das Erlebnis, den „Star Wars“-Film zu sehen.Raya (Kelly Marie Tran)s Reise von Land zu Land – vom schwimmenden Markt in Talon zum Marmorpalast der Arche – hat ihre eigenen Rituale, Farbpaletten und einzigartigen Themen (in Talon ist die Künstlerin beispielsweise als … verkleidet). Süßes Baby).Das Drehbuch von Adele Lim (der verrückte reiche Mann in Asien) und dem Dramatiker Qui Nguyen enthüllte auf faszinierende Weise den Mythos der sich ständig erweiternden Fantasiewelt, ohne den Schwung der legendären Geschichte des Protagonisten zu opfern.
Zu Beginn des Films ist Kumandra ein zerbrochenes Königreich, das durch gewaltsame Auseinandersetzungen zwischen fünf isolierten Ländern zerstört und von Druun heimgesucht wird, einem smogähnlichen Monster, das Tausende von Bürgern in Stein verwandeln wird.Sechs Jahre nachdem ihr Vater (Daniel Dae Kim) diese Geißel erlitten hat, versucht Raya, einen zerbrochenen magischen Edelstein wieder aufzubauen und jemanden zu schaffen, der einst Kumandra gerettet und Druun verbannt hat. Der legendäre Drache ist wieder auferstanden.
Wenn sich diese Art von Handlung mit der Stabilität und Vorhersehbarkeit von Videospielen (in jedem Land) entwickelt, wird Raya ein weiteres Juwel bekommen und Mitglieder für ihr schmutziges Abenteurerteam rekrutieren, die üppige Landschaft und Rayas Entwicklung werden jegliches Gefühl der Wiederholung vermeiden.Entscheidend ist, dass Raya ein Vertrauensproblem hat: Es war ihr eigener falscher Glaube an den benachbarten „Drachen-Nerd“ Gemma Chan (Gemma Chan), als sie jung war, der zur Zerstörung des Edelsteins und zur Freilassung von Druun führte.Jeder von Rayas neuen Gefährten zwingt sie, sich ihrer Angst vor Vertrauensverlust zu stellen, und dieser Film ist ein gutes Spiegelbild der Dämonen der Mädchen im geopolitischen Bereich, und die fünf Länder weigern sich, die Bedrohungen, denen sie ausgesetzt sind, zu vereinen.
Als Retterin von Raya, dem Wasserdrachen Sisu, bietet Awkwafina eine einzigartige, gestohlene Szenen-Sound-Performance, die unweigerlich an Robin Williams aus Disneys Aladdin erinnert.) Der Zauberer.Vor dem erhabenen Hintergrund des Höhen-Fantasy-Epos spricht Awkwafina schnell und selbstironisch.Sie ist mit ihren früheren Comedy-Rollen vertraut.Es scheint, dass sie jenseitig und eine zeitgenössische Figur in einer fabelhaften Landschaft ist.In der großen Disney-Tradition gibt es in Raya und Last Dragon viele nette Freunde, wie zum Beispiel einige Käfer aus Pillen und Alan Tudyk aus Amadelo., der gleichzeitig die Rolle des Haustiers und Transportmittels spielt, sowie Kapitän Boun (Izaac Wang), ein Kinderkoch und Kapitän, wurde mit seiner Familie nach Druen geworfen.
Obwohl Raya eine mutige und edle Heldin ist, hat sie ein bewundernswertes Selbstvertrauen in ihre Intelligenz und Stärke, doch Namaris Schock, sie verraten zu haben, hinterlässt einen unerschütterlichen Nachgeschmack, der sie manchmal dazu bringt, impulsiv und voller Wut oder Rache zu handeln.Der wütende Geist des Mädchens brachte eine gewisse Gefahr in diesen langwierigen Kampf, der über Disneys übliche Zurückhaltung hinauszugehen schien.Durch ihre üblichen Kampfkunstkämpfe mit Namaari oder Kämpfe mit Waffen und Nahkämpfen zeigt die heftige Choreographie, dass diese beiden jungen Frauen sowohl tödlich als auch gefährlich füreinander sind.Für Raya basiert die erfrischende Frivolität auf dem erstarrten inneren Aufruhr von Königin Arendelle und Königin Elsa, die das Publikum auffordert, die Unvollkommenheiten der Heldin zu akzeptieren, auch wenn es in der Handlung manchmal Angst verspürt.Diese gewalttätigen Konflikte sind nicht die einzigen Elemente des Films, die im Dunkeln bleiben: Als Raya und Sisu Tong (Benedict Wong) auf den Beinen treffen, allein in einem Zustand der Zerstörung, wandert Rayas Blick auf das leere Kinderbett in der Ecke , Der Verlust der Beleuchtung ohne ein Wort ist zu schmerzhaft, um darüber zu diskutieren.
Raya und der letzte Drache vermeiden ein düstereres, bittersüßes Ende, damit sie der misslichen Lage leicht entkommen können: In der Schlussszene kehren sich Sterblichkeit und grenzenlose Verzweiflung leicht um.Allerdings brauchen diese jungen Zuschauer möglicherweise keine Disney-Filme, um ihnen zu sagen, dass, wie der von Sisu beschriebene Druun, „die Seuche, die aus menschlicher Disharmonie entsteht“, dauerhaften Schaden anrichten wird.Der Film nutzt den Landeplatz, wie er es so wunderbar beschreibt, als Hommage an die Hoffnung und zeigt, wie ein uneingeschränktes Vertrauen in unsere gemeinsame Menschlichkeit aussehen wird.
Darsteller: Kelly Marie Tran, Awkwafina, Jemma Chan, Daniel Dae Kim, Sandra Oh, Ben Benedict Wong, Izaac Wang, Talia Tran, Alan Tudyk, Lucille Soong, Patty · Harrison (Patti Harrison), Ross Butler (Ross Butler) Regie: Don Hall, Carlos Lopez Estrada (Drehbuchautor), Adele Lim Veröffentlichung: Walt Disney Studios Motion Pictures Veröffentlichungszeit: 107 Minuten Altersfreigabe: PG Jahr: 2021
Dem Film gelang es nicht, effektiv zu erfassen, wie sich die Lebens- und Arbeitserfahrung seiner Protagonistin auf ihr Leben als Person und Künstlerin auswirkte.
Basierend auf Joanna Rakoffs gleichnamigen Memoiren nahm „My Salinger Year“ des Autors und Regisseurs Philippe Falardeau in den 1990er Jahren einen baufälligen Weg ein, nachdem die beiden Joanna (Margaret Querley) als Teenager versuchten, ihre Karriere als Schriftstellerin zu beginnen hoffte, dass sie sich von ihrem derzeitigen Job als Sekretärin der New York Literary Institution abheben würde.Ihre Arbeit ist eine Falte, die diese Adaption von vielen anderen Filmen unterscheidet, die ambitionierte Autoren in Großstädten zu adaptieren versuchen, denn Joannas Chefin Margaret (Sigourney Weaver) vertritt diese junge Frau mit dem zurückgezogen lebenden Autor JD Salinger von The Catcher in the Rye verbreitete Illusion eines engen Kontakts mit literarischen Helden.Das bedeutet aber auch, dass der Film voller modischer Anspielungen auf kaputte literarische Werke und Charaktere ist und diese Vertrautheit schnell ins Mittelmaß gerät.
Die Handlung der Geschichte beschreibt Joannas Arbeit in der Fotoagentur, ihr Privatleben und die Handlung ihres Kampfes, Schriftstellerin zu werden, halbherzig miteinander verwoben, als würde man zwei verschiedene Filme sehen.Obwohl „Joanna“ zu den legendärsten Mysterien der literarischen Welt gehört, glaubt Joanna, dass ihre Arbeit nur ein Sprungbrett für ihre Karriere ist, und diese Ambivalenz scheint in Falados Erzählkunst verschwunden zu sein.
Da „My Salinger Anniversary“ es nicht schaffte, effektiv zu begreifen, wie sich ihre Lebens- und Arbeitserfahrung auf ihr Leben als Mensch und Künstlerin auswirkte, fühlte sich Joanna wie eine Leere.Außer dem Moment, als sie sagte, sie habe zwei Gedichte veröffentlicht, wussten wir fast nichts über ihr Schreiben und ihren Prozess.In diesem Fall schreibt ihr narzisstischer Freund Don (Douglas Booth) diesen Roman, der bei Falado viel Aufmerksamkeit auf sich gezogen hat, was etwas unvernünftig ist.Richtung.
Es gab zumindest einige aufregende Momente, die meine Salinger-Jahre aktiv machten, nichts weiter als die Anerkennung der Roggenfanatiker unter den Wächtern.In literarischen Institutionen besteht Joannas Aufgabe darin, Salingers Aberglauben mit Antworten zu beantworten, die vor Jahrzehnten von Unpersönlichen verfasst wurden.Während die Fans beim Lesen des Briefes in die Kamera blicken, erzählt der Film implizit, dass der Abdruck eines großartigen Werks alle Arten von Lesern anzieht und gleichzeitig für einen Leser geschrieben zu sein scheint.Gemäß den Unternehmensrichtlinien war es noch gruseliger, als Joanna den Brief eines Fans unmittelbar nach Abschluss ihrer Antwort in Stücke schnitt.
Doch die anfängliche Beredsamkeit über diesen Blickwinkel verwandelte sich in Unbeholfenheit, als Joanna begann, sich vorzustellen, dass ein bestimmter Fan (Theodore Pellerin) ein imaginäres Gewissen sei, und Falado nutzte diese Figur, um mehrere Ausdrucksformen auszudrücken.Der Subtext der Szene.Das Erscheinen dieser Art von Handlungsinstrument in der ansonsten schlichten Erzählung erinnerte mich ungewollt an eine frühere Geschichte in „My Saling Year“, als Joanna eine Schurkin war und einem Unterstützer mit ihren eigenen Worten einen Brief antwortete.Joanna sagte einer High-School-Schülerin, sie solle sich von Holden Caulfield inspirieren lassen und selbst nachdenken.Es ist schwer zu glauben, dass der Film selbst auf ihren Rat hätte hören sollen.
Darsteller: Margaret Qualley, Sigourney Weaver, Douglas Booth, Brian Obern, Théodore Pellerin), Colm Feore (Colm Feore), Senna Haq (Henza Haq) Regie: Philippe Falardeau Drehbuch: Philippe Falardeau Veröffentlichung: IFC Film Festival Vorführungszeit: 101 Minuten Einschaltdauer : Jahr R: 2020
Der Unterschied zwischen Film und gewöhnlichen Nachrichten und ihrem Eingriff in die Realität ist der Zeitunterschied.
Wie wir es aus Slapstick-Komödien kennen, können die Fliegen an der Wand jede Szene in eine zusammengerollte Zeitung verwandeln, die Möbel in eine Schmiede und ein chaotischer Strudel chaotischer Sonderpolizei, der zu Schadenfreude verführt.Dokumentarfilme, die an der Wand fliegen, bergen ähnliche Risiken.Wenn man bedenkt, dass das Beobachten von Verhalten notwendigerweise das Beobachtete verändert, müssen Filmemacher immer die Objektivität der Position in Bezug auf ihr Thema wählen – wenn das Thema zufällig politisch ist, wird dies heikle Konsequenzen haben.
Einige Rekorder akzeptierten diesen Widerspruch und zeichneten ihren Eingriff als Teil der von ihnen aufgezeichneten Realität auf.Zum Beispiel lud Joshua Oppenheimer (Joshua Oppenheimer) im „Killing Act“ die Täter der Massenmorde in Indonesien in den Jahren 1965-66 zum grausamen „Heldentum“ vor der Unterwelt ein.Kamera.Bei einem flüchtigen Blick wählte Jill Li, die erste Filmemacherin, die weniger praktische Methode des „Lost Course“, bei der sie eine Szene in Wukan, einem chinesischen Fischerdorf in der Provinz Guangdong, aufnahm.Die polnischen Proteste führten zu einem gescheiterten demokratischen Experiment.
Im ersten Teil des Films „Protest“, als Wus Dorfbewohner auf den Verkauf von öffentlichem Land durch korrupte Regierungsbeamte reagierten, groß angelegte Demonstrationen und Sammelpetitionen veranstalteten und von einem Generalstreik unterstützt wurden, tauchte Lis Kamera ins Tiefste auf der Aktion..Mit dem Aufstieg der Bewegung konzentriert sich der Film auf den Kern einiger Aktivisten, die offenbar die besten Absichten haben und entschlossen sind, als Chinas Einparteien-Staatsinstitution zu dienen.Am Ende zwangen die Proteste die Regierung, dem Antrag der Dorfbewohner auf freie Wahlen zuzustimmen, und die Anführer der Bewegung wurden auf einen Platz im Dorfkomitee geschickt.
Der zweite Teil „After the Protest“ wird ein Jahr nach der Wahl eröffnet.Das neue Dorfkomitee geriet in eine Bürokratie, war hilflos und schaffte es nicht, das Land in Wukan wiederherzustellen.Gleichzeitig haben die übergeordneten Regierungen ihre Führung ausgewählt und so einen Keil zwischen ihnen und den Wählern gebildet.Als die Jahre vergingen und die Dorfbewohner angesichts des langsamen und unvermeidlichen Niedergangs von Wukan resignierten, wurde ihre Ernüchterung immer größer.
Jetzt, wo es nicht mehr viele Proteste gibt, hat dies Raum für Li-lyrische rote und weiße Laternen geschaffen, die in einer Regenpfütze leuchten, oder Motten, die in verzweifelter Grausamkeit von Zippo verbrannt werden, um den Rhythmus des täglichen Lebens anzuzeigen und nach Wukan zurückzukehren.Dies sind jedoch immer noch Ausnahmen von der Regel, dass sie die Kamera nicht stört.Die Kameraregel stellt nur die Situation dar, in der sich die Szene ereignet, und der Filmemacher hat nie in seine eigene Politik eingegriffen oder Urteile über die Dorfbewohner geübt (was Li erklären könnte, warum er den Film drehen durfte).Erstens).Während des gesamten Prozesses hatte jemand das Gefühl, dass sie sein Vertrauen stärkte.Sie sind an die Existenz der Kamera gewöhnt und scheinen direkt mit den Menschen hinter ihnen statt mit dem imaginären Publikum zu sprechen, und gehen sogar Risiken ein, indem sie sensible Details preisgeben.
Auf dem Höhepunkt der Bewegung erschienen andere Filmteams und Journalisten am Rande, doch als sich der Staub legte, blieb nur noch Lis Kamera übrig, die sich in das tägliche Chaos der Paraden und Wahlspektakel eintauchte.Der Unterschied zwischen Lis Projekt und gewöhnlichen Nachrichten ist ihr Eingriff in die Realität, was einen Zeitunterschied darstellt.Robin Li seinerseits kämpfte sechs Jahre lang (von 2011 bis 2017) mit den Dreharbeiten zu Wukan und, was vielleicht noch wichtiger ist, mit den Konsequenzen, was irrelevant erscheint, aber es ist eine Widmung an eingebettete Filme und mit einer dreistündigen Laufzeit. Dies verleiht dem Kurs die Stärke des Verlustes.
Dieser Film hat viel Zeit darauf verwendet, nicht nur Wu Kans Kampf als chinesischen politischen Prozess auf der Mikroebene zu diskutieren, sondern auch Charakterstudien relevanter Personen durchzuführen.Auch wenn ihr Enthusiasmus und ihre Unschuld aufkamen, selbst als sie das Kämpfen aufgaben, sich gegenseitig verurteilten oder blind den Errungenschaften der Vergangenheit hinterherjagten, während die politische Bewegung stagnierte, blieb Lis Linse fest mitfühlend.Da ihre Politik durch diese Sympathie nur angedeutet werden kann, lässt sie das Publikum daraus lernen und die Situation erklären.Es ist üblich, dass Einzelpersonen Politiker sind, aber „Lost Road“ erinnert die Menschen daran, dass Politiker auch Einzelpersonen sind.
Wenn die „SpongeBob Schwammkopf“-Reihe endlich eröffnet ist, scheint es das Publikum zu sein, das die Zuschauer am meisten enttäuscht.
„Wer wird die Segel für ein weiteres Abenteuer setzen, mit dem ich Geld verdienen kann?“Schon im „SpongeBob Schwammkopf-Film: Sponge is Running“ wurde als Krabbenburger-Boss Crabs (Clancy Brown) geschrien.) Als ich weinte.Thaddäus (Rodger Bumpass), der gestressteste Angestellte von Mr. Crabs, verdrehte die Augen, bevor er das Unterwasser-Fastfood-Restaurant verließ.Angesichts eines zynischen Söldnerfilms wie diesem fällt es schwer, kein Mitgefühl für Thaddäus zu empfinden, denn der dritte Spielfilm, der auf Nick Laytons beliebter Zeichentrickserie basiert, scheint in erster Linie darauf ausgerichtet zu sein, Erwachsene anzulocken, wobei in der Realverfilmung identifizierbare Stars auftauchen.Und ikonische Filme.Nautische Rolle.
Als der vergebliche König Poseidon (Matt Berry) SpongeBob (Tom Kenny)s geliebte Meeresschnecke Gary (auch Kenny) entführte, um seinen Schleim zur Hautpflege zu verwenden, machten sich SpongeBob und Patrick (Bill) Fagerbakke auf den Weg, um ihn vor den Verlorenen zu retten Stadt Atlantic City, die „eine schreckliche, berüchtigte Jauchegrube moralischer Verderbtheit“ ist.Fans von SpongeBob Schwammkopf werden wissen, wie viel Gary seinem Besitzer bedeutet, und im Sommercamp ist die Party des Paares im Nachhinein süß und ernst.Allerdings ist der „flüchtende Schwamm“ manchmal bewusstlos und nicht in der Lage, sich auf die Aufgabe zu konzentrieren.In der verlorenen Stadt Atlantic City kommt es sogar zu einer langen Glücksspielzeit, bei der SpongeBob Schwammkopf und Patrick feststellen, dass sie sich nicht immer darauf konzentrieren können.
SpongeBob-TV-Serien mögen immer zufällige Momente, und auch Sponge on Run mangelt es nicht an harmloser Verrücktheit, so wie Patrick es mit lächerlichem Ernst erklärte, als er sich einmal vorstellte: „Mein Name ist bei den Celtics.“Es bedeutet einen Toaster.“Am wirkungsvollsten kommt diese ungeschickte Logik jedoch in den früheren Charakterzügen von SpongeBob zum Ausdruck, bei denen es sich um eine Ansammlung niedlicher, eigenwilliger Charakterzüge handelt.Hier ist das Geschichtenerzählen selbst absurd.
Sobald Snoop Dogg und Keanu Reeves in einer langen und hilflosen Traumsequenz auftauchen, ist das eine Ablenkung, keine Täuschung;in der Traumsequenz sind der brennende Steppenläufer und dessen Gesicht darin zu sehen.Fordern Sie SpongeBob und Patrick heraus, ein fleischfressendes Hip-Hop-Tanzteam zu befreien.Der Zombie-Pirat aus der Diablo-Limousine (Danny Trejo).Allerdings ist Unverständlichkeit nicht gleichbedeutend mit Zwecklosigkeit, denn prominente Gastauftritte scheinen zu Marketingzwecken untergeschoben zu werden.Kamp Koral, das Prequel dieser TV-Serie, wird mit diesem Film veröffentlicht, und in der letzten halben Stunde scheint es Teil eines profitablen Abenteuers zu sein, eine Reihe von Handlungssträngen aufzugeben und eine Reihe von Plänen für die Rückkehr ins Sommercamp zu übernehmen .
SpongeBob Schwammkopf war schon immer das Seltsamste und Wundervollste daran, dass es Kindern ermöglicht, das Meeresleben als Erwachsener auf einen Blick zu sehen.Im Gegensatz dazu verzichtete „SpongeBob Schwammkopf“ auf die ikonischen geschmacklosen Knödel der Serie und forderte das Publikum auf, erwachsen zu werden, wenn es mithalten wollte (so erwähnt das vulgäre Festival beispielsweise „schläfrige Menschen“. Erbrechen in der Nacht).
Nur wenige „Sponge on the Run“ finden den klassischen Sweet Spot und sehen, dass Kinder in der Lage sind, komplexen Humor zu verstehen und sie dennoch in dummen Farceen darüber reden zu lassen.Das relaisartige narrative Branding der Serie kommt hier manchmal wirkungsvoll zur Geltung, etwa wenn Patrick und SpongeBob einen flüchtigen Blick darauf werfen, wie sich die Szene in das „Fenster der gleichen Zeit“ verlagert, und wenn sie darüber streiten, ob aus ihren Abenteuern mehr werden .Zeit wie ein Freundesfilm oder eine Heldenreise.Das Paar könnte jedoch enttäuscht sein, wenn es erfährt, dass ihre unzusammenhängende, langweilige Suche nicht einer so zufriedenstellenden Struktur folgte.Wenn die „SpongeBob Schwammkopf“-Reihe endlich eröffnet ist, scheint es das Publikum zu sein, das die Zuschauer am meisten enttäuscht.
Darsteller: Tom Kenny, Bill Fagerbakke, Rodger Bumpass, Clancy Brown, Mr. Lawrence, Jill Tully ( Jill Talley, Carolyn Lawrence, Matt Berry, Awkwafina, Snoop Dogg, Danny Te Danny Trejo, Tiffany Haddish, Reggie Watts Regie: Tim Hill Drehbuch : Tim Hill Veröffentlichung: Paramount + Veröffentlichungszeit: 91 Minuten Bewertung: PG Jahr: 2021
Die Filme von Anthony und Joe Russo können sich der inhärenten Hohlheit der Rolle der Cherry nie entziehen.
Tom Holland präsentiert einen dünnen und hungrigen Blick zu Beginn von „Cherry“ von Anthony und Joe Russo, in dem wir die gleichnamigen Charaktere mit erstaunlicher Art und Weise sehen, wie sie Banken mit halbem Vermögen ausrauben.Dem jungen Mann fehlten Pläne und er wusste nichts über die Folgen, auch weil er opioidabhängig war.Wie jedoch der Rest der Adaption von Nico Walkers weithin gefeiertem halbautobiografischen Roman aus dem Jahr 2018 zeigt, trieb die Kombination aus Ignoranz und Lu-Kombination seine Entwicklung voran und machte ihn im Irak sogar süchtig.Vor der Straße.Chery sagte in der Erzählung: „Ich werde dieses Jahr 23 Jahre alt und habe die früheren und aktiveren Teile des Films in die Länge gezogen, aber ich verstehe immer noch nicht, was die Leute machen.“Das Zentrum (falls vorhanden) findet einfach nicht statt.
Nach der Eröffnungsrede wurde der Film um fünf Jahre gekürzt, bis Cherry im Jahr 2002 den Grundstein für seine zukünftige Selbstzerstörung gelegt hatte.So wie Holland mit strahlendem Charme spielte, sprang die Kirsche in seinem Leben immer noch etwas zufällig auf, selbst wenn er sich in der verheerendsten und verlorensten Situation befand.Erstens haben wir viel von ihm gehört – im wahrsten Sinne des Wortes erzählte er von seinen falschen Versuchen, das Leben einzufangen, während er Zeit in Cleveland verbrachte, Zeit mit Freunden im Nirgendwo verbrachte und sich bei der Arbeit auf falsche Zusammenkünfte einließ.Später würde er nichts mehr zu sagen haben, weil eine Reihe falscher Entscheidungen seine Möglichkeiten einschränkten.
Auf dem Autopiloten der Jesuitenuniversität fühlte sich Cherrys Klassenkameradin Emily (Ciara Bravo) sehr schwer und sie zeigte dem Publikum, wie sie aussah: ein aufgewecktes und schönes Modell mit Selbstbewusstsein, dessen Selbstbewusstsein und listiger Humor zu seinem passten.Obwohl Emilys Leben harmonischer zu sein scheint, ist sie im Film am Ende immer noch voller Geheimnisse wie das Leben selbst in der Kirsche.Ihre Beziehung ist instabil, aber instabil.Nachdem sie mit Cherry gekämpft hatten, waren sie noch beeindruckter, als Cherry in der intensivsten Zeit des Irak-Kriegs in die Armee eintrat.Noch impulsiver war, dass sie heirateten, bevor er ging.
Der mittlere Teil von „Cherry“ stammt aus dem Militärdienst unseres Protagonisten und ist der überzeugendste.Für einen 20-minütigen Film, der zu lange veröffentlicht wurde, wirkt die gesamte grundlegende Trainingssequenz sehr überflüssig.Die Absurdität des Militärlebens unterstreicht einmal mehr Cherrys Verlust in dieser Welt, die für ihn nur ein schlechter Scherz zu sein scheint.Im Irak skizziert Russos einige groß angelegte Actionszenen mit beeindruckenden Bildern, aber er ist sich nicht sicher, ob er Cherrys Erfahrung als Kampfsanitäter mit dem emotionalen Trauma in Einklang bringen kann, das durch den Humor von Ikterus verursacht wird.
In den Vereinigten Staaten brach Cherrys Leben aufgrund mangelnder Anleitung aufgrund der verschwommenen posttraumatischen Belastungsstörung schnell zusammen.Er und Emily wurden von Heroin besessen, was kurzfristig zu Macken wie dem Diebstahl von Geld von Händlern, Cashflow-Problemen und Banküberfällen führte.Im Vergleich zu den vorherigen Szenen sind das neue Leben des Paares als Krimineller und die Herausforderungen, mit denen es bei Drogenmissbrauch und Entgiftung konfrontiert ist, unmittelbarer und dramatischer als die vorherigen Szenen, und die vorherigen Szenen werden tendenziell aus der Ferne oder sogar aus bedeutenden Entwicklungen betrachtet.Aber dieser Film kann sich der inhärenten Hohlheit von Cherry als Rolle immer noch nicht entziehen.
Indem die Filmemacher die Kriegskatastrophe im Ausland mit der Suchtkatastrophe im Inland und Cherrys Ziellosigkeit vor dem Irak in Verbindung bringen, scheinen sie anzudeuten, dass die Vereinigten Staaten anfällig für Gefahren sind und nichts über Risiken wissen.Doch obwohl dieser Film viele Hotkey-Themen beinhaltet und voller Ereignisse und Sinn für Humor ist, ist sein bewusster Stil (von der Erzählung direkt vor der Kamera über Zeitlupe bis hin zu visuellen Techniken wie dem Auswaschen des gesamten Hintergrunds und dem Erscheinen der Charaktere) unvermittelt Helle Farben – einfache Darstellungen nehmen ihm die Möglichkeit, viel zu sagen. Der Filmemacher trifft seltsame Entscheidungen und endet mit vagen Hoffnungen, aber es gibt keinen Dialog, der helfen könnte, Kirsche in seinem Leben zu erklären Hauptrolle spielen, anstatt sich selbst zu verlieren.
Schauspieler: Tom Holland, Ciara Bravo, Jack Reynor, Jeff Wahlberg, Forrest Goodler K (Forrest Goodluck), Michael Gandolfini (Michael Gandolfini), Michael Rispoli (Michael Rispoli), Daniel R. Hill (Daniel R. Hill) Regisseure: Anthony Russo , Joe Rose Drehbuchautor: Angela Russo Osto, Jessica Goldberg Veröffentlichung: Apple TV + Showtime: 140 Minuten Bewertung: R Jahr: 2021
Wenn die Welt außerhalb des Supermercado Veran voller Armut und Kriminalität ist, dann werden wir es aus diesem kleinen Kokon nicht verstehen.
Für Regisseurin Tali Yankelevich ist es einfach, ein bescheidenes Porträt eines brasilianischen Lebensmittelladens im Herzen des My Darling-Supermarkts zu zeichnen, in dem der Fokus auf Verschwendung, Niedriglohnarbeitern und Rassenaktivisten liegt.Schließlich ist Brasilien ein Land, das von Einkommensungleichheit und Klassenkampf geprägt ist.Stattdessen entschied sich Jankelewitsch für etwas Interessanteres: Er nutzte eine verschiebbare Kamera, skurrile Filmmusik und die Schönheit von Zuckerwatte und ließ den Supermercado Veran in São Paulo wie die Galeries Lafayette in Paris aussehen.
Hier gibt es keine Unzufriedenheit oder Ungerechtigkeit, sondern nur schlichte weiße Regale, köstliche Waren und Arbeiter, die gerne arbeiten.Einige geben sogar zu, Kontakt zu Kunden aufgenommen zu haben.Andere prahlen mit der Vielfalt der Menschen, mit denen sie täglich in Kontakt kommen.Die Beziehung zwischen Kollegen stammt aus der Studienzeit im Traum.Wenn die Außenwelt voller Armut und Kriminalität ist, werden wir es aus diesem kleinen Kokon nicht erkennen.
Yankelevichs Fantasy-Ansatz war so zielgerichtet und kohärent, dass der Film nie wirklich wie eine Werbung für ein nicht existierendes Sanitärland wirkte.Deshalb ist mein „Darling Supermarket“ eher eine Träumerei, ein Porträt eines übermäßig fokussierten Ortes, und dieser Ort ignoriert glücklich die umgebende Makrorealität.Während Yankelevichs Kamera durch den Laden schwebt, setzt sie Beobachtungsvignetten und Zeugnisse ihres Arbeitgebers zusammen, Anekdoten, die Gonzo oft Wirklichkeit werden lassen.Dabei vermenschlicht die Kamera die normalerweise unsichtbare Belegschaft.
Jankelewitsch stahl ihnen keine köstlichen Geschichten, sondern bat die Arbeiter, uns von ihren Leidenschaften, Macken und Träumen zu erzählen.Wir trafen einen Lagerarbeiter, der von Städtebauspielen besessen war und vermutete, dass jemand seinen Arbeitsplatz filmreif finden würde.George Orwell war ein historischer Fachmann, singender Türsteher, ein Verschwörungstheoretiker und ein Verschwörungstheoretiker.Ein japanischsprachiger Anime-Liebhaber, eine überzeugte Verkäuferin spukt im Supermarkt herum und ein Wachmann hofft, dass ihre Überwachungskamera den Aufenthaltsort ihres Kindes ermitteln kann.
Das Überraschendste ist, dass alle ihre Probleme existierten, auch wenn wir nie das Gefühl hatten, dass die Kamera so viel Zeit mit ihnen verbracht hätte.Als ob sie von allerlei tiefer Kontemplation in Langeweile und Automatismus erfüllt wären, machte es ihre Arbeit noch langweiliger und fand endlich ein williges Publikum.Vielleicht ist das die innere Motivation der dokumentarischen Form, die Kamera lockt Fremde an, die verspätete Zuhörer brauchen.Der Grund, warum Jankelewitsch Gerechtigkeit übte, lag nicht in ihrer Selbstgerechtigkeit, sondern darin, dass sie den Reichtum der Dinge erkannten, von denen sie träumten und mit denen sie träumten.
„Crisis“ von Nicholas Jarecki ist ein prozeduraler Thriller, der sich mit der Korruption und dem Versagen befasst, die zur Opioid-Epidemie in den Vereinigten Staaten geführt haben.Die Struktur dieses Films ist der Grund für seine Existenz, die im Mittelpunkt von Jareckis Fantasie steht, denn die Regisseurin und Regisseurin hat drei Handlungsstränge geschaffen, die zeigen, wie Opioidsucht in verschiedenen Gesellschaftsschichten gefördert wird: Geschäftsleute auf der Straße handeln mit zwielichtige Apotheker.An diesen Universitäten stellen Pharmaunternehmen den Professoren hohe Mittel zur Verfügung, um ihre Forschung „grün“ zu machen;Zwischen Kanada und den Vereinigten Staaten führen Strafverfolgungsbehörden Transaktionen mit Menschenhändlern durch.Der andauernde Krieg.Durch die Priorisierung des Systemprozesses und nicht des Protagonisten lädt „Crisis“ fast bewusst zu Vergleichen mit anderen Filmen von Steven Soderberg ein.
Der Einfluss beruflicher Prozesse auf zwischenmenschliche Beziehungen ist Soderbergs Hauptbeschäftigung als Künstler, und von seinen aufsehenerregenden Werken bis hin zu seinen Low-Fidelity-Experimenten ist alles entstanden.Er ist gut darin, ein einzelnes menschliches Leid zu nutzen, um potenziell langweilige Gesprächsthemen und -verfahren zu untermauern, wie etwa die schmerzhaften Nahaufnahmen von Benicio del Toro in Traffic und das beunruhigende Format. Die klinische Spezifität und die Angst vor Kromberg haben zur Verbreitung von geführt Infektionskrankheiten.Im Gegensatz dazu hat Jareckis Filmemachen eine berauschende Qualität, was darauf hindeutet, dass die drei TV-Piloten willkürlich zusammenkommen, um einen offensichtlichen Punkt zu beweisen.Jarecki ist sich vielleicht nicht sicher, ob sein Opioid-zentriertes Thema ausreicht, um einen Film aufrechtzuerhalten, also greift er auf die Klischees krimineller Rache zurück, von der Rachemutter bis zur Polizei, er ist zu ehrlich für diese fragile Welt.Die Krise endete mit einem langweiligen 30-minütigen Ende.
In der Arbitrage-Aktivität verwechselte Jarecki geschickt Melodramen mit Aktivisten und nutzte Richard Geres verführerische Filmstar-Performance als Hedgefonds-Tycoon, um uns attraktiv zu machen. Die soziale Dysfunktion von Gewalt wird von Architekten verwechselt.Martin Scorsese (Martin Scorsese) in „Wolf of Wall Street“ (Wolf of Wall Street) verschärfte diesen Trick, das Publikum aufs Äußerste zu locken, indem er zugab, dass soziale Gier unsere eigene Verstärkung ist, und gleichzeitig anbot, dem Publikum Spaß zu machen in der Lage sein, mit schlechtem Verhalten ohne Konsequenzen umzugehen.
Die Krise zeigte, dass Jarecki diese Technik vergessen hatte, denn die starren Figuren testeten oder stimulierten das Publikum stereotyp und lenkten es nicht ab, abgesehen von einigen obligatorischen Vorschlägen, die die Drehbuchautoren hinter den Kulissen dem Drehbuchautor vorschlugen, das Kästchen anzukreuzen.Im Umgang mit den kanadischen und armenischen Fentanyl-Gangstern zeigt sich die Entschlossenheit des DEA-Geheimagenten Jack Kelly (Armie Hammer), der nie gefoltert oder zensiert wurde, und der Süchtigen Claire (Evangeline Lilly), die sich auf dem Weg der Genesung ist. Bei der Untersuchung der tödlichen Drogenüberdosis seines Sohnes er blinzelte kaum.Getötet werden.Manche Leute glauben, dass der Tod eines Sohnes aufgrund der von der Mutter selbst gewählten Medikamente zu möglichen Rückfällen und bestimmten Einsichten oder Vorfällen führen wird, die mit Überlebensdruck verbunden waren, aber diese Möglichkeit wurde nur ausgelöscht.Stattdessen gelten Jake und Claire beide als Actionfilmhelden.
Die ehrgeizigste und möglicherweise verstörendste Geschichte der Krise ist auch die lächerlichste.Dr. Taryn Brower (Gary Oldman), ein erfahrener Wissenschaftler und Pädagoge, der viele Jahre lang mit einem Cent für ein großes Pharmaunternehmen (Big Pharma) experimentiert hat, war schockiert.Spender möchten möglicherweise eine Gegenleistung, nämlich die Genehmigung eines fiktiven, angeblich nicht süchtig machenden Medikaments, das möglicherweise tödlicher ist als tödliche Medikamente.Oxycam.Unter Berücksichtigung der Berufserfahrung der Figur erscheint Tyrones Naivität, die Alderman hysterisch spielt, lächerlich, und Jarecki hat hier die besten Ideen des Films verschwendet.
Als Tyrone drohte, den Informanten zu informieren, gruben Universitäten und Pharmaunternehmen einen alten Ruf wegen sexueller Belästigung aus, der ihn berüchtigt machte, obwohl die emotionalen Auswirkungen dieser Drohung und Tyrones Heuchelei als Person, die für die Wahrheit gehalten wurde, nie ans Licht kamen.Tatsächlich war der Filmemacher vom Innenleben seiner verschiedenen Charaktere so überrascht, dass er sogar den Einfluss von Tyrones berühmter Ehe auf seine Ehe ignorierte.Die Krise hat den menschlichen Aspekt der Geschichte immer wieder verändert, sprich Dramatik, im Austausch für Drogenstatistiken, die von Google in wenigen Sekunden durchsucht werden können.
Darsteller: Gary Oldman, Arme Hammer, Evangeline Lilly, Greg Kinnear, Kid Cudy (Kid Cudi), Luke Evans, Michelle Rodriguez, Indira Vama (Lily-Rose Depp), Mia Kirchner (Mia Kirshner, Michael Aronov, Adam Suckman, Veronica Ferres , Nicholas Jarecki, Daniel Jun ), Martin Donovan Regie: Nicholas Jarecki Drehbuch: Nicholas Jarecki Veröffentlichung: Quiver Veröffentlichungszeit: 118 Minuten Bewertung: R Jahr: 2021
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Zeitpunkt der Veröffentlichung: 02.03.2021